Victor Puš-Perchaud

During his first year of study in humanities, he decides to devote himself to his dream: to become an artist. He joined the Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Paris, and drawing and painting quickly became his main activities, although he also practices manga. He works on painting in François Boisrond’s studio and on manga with Joann Sfar.

The density of emptiness in the painting of Victor Puš-Perchaud
« With the void, full powers », this is what Albert Camus scribbled as he left the Voids exhibition organized by Yves Klein. If Victor Puš-Perchaud does not hide his admiration for Camus’ philosophy, this paradoxical statement, bringing together in an oxymoronic way the void and the full, applies in a certain way to his painting, which is so dense and rich. We are indeed far from the minimalist or conceptual art presented in the Yves Klein exhibition. When one enters Victor Puš-Perchaud’s studio, one is struck by the presence and visual impact of his canvases: one delights in the warm colors, browns, ochres and bursts of bright color in the background of the landscape or between the fingers of the pensive young man. The paint, which a coating of marble powder has absorbed and diffused on the canvas, seems to crystallize an indefinite and precious temporal duration. The eyes of the characters, lowered, half-closed or hidden in the shadow, give them the appearance of dreamers. The cat stands still, Mount Minerva bathed in lava is silent. Sometimes an arm advances towards the imaginary edge of the frame, held in the air. It is indeed a question of seizing a moment, but a moment that one would like to be eternal. Through the superposition of more or less thick layers, the mineral reference, the reminder of colored patterns from one end of the canvas to the other (a golden yellow wink of a tree that is falling apart or the vermilion reminder of the parasol in the striations of a shutter), Victor Puš-Perchaud sublimates the materiality of painting, he gives it back its « full powers ». Because it is necessary to be able to start from the emptiness and the silence to give place to a so serene plenitude. In a corner of his studio are the images that inspire him. An Indian miniature gives two thirds of the space to the horizon, empty; by hiding the foreground we discover a Rothko! The emptiness is a matrix from which details emerge without however being completely freed from it.
It is from the emptiness of the canvas, appreciated and observed, that the silent – but not silent – melody of the work can be created. Sometimes the work remains in an empty state for a few days or weeks in the painter’s studio, sometimes the canvas remains in a state of « grisaille », finding its perfect form in the unfinished. The different layers of paint – some of which are barely a white veil on a red sleeve – take their time. Let us do the same.

Miriam Smadja, mai 2021

*

Painting is the choice for me to give my feeling of the world a chance to blossom and
to blossom and to be fixed in the matter. The pleasure, the softness, even the serenity are notions
that are dear to my heart. This pleasure is shaped by the work and by a presence in the world.
When I am in front of the walls of my studio, I use the photographic memories of my
I use the photographic memories of my cell phone as material and as a guide to paint. I use these lines from the world I inhabit
to build the lines that, on my canvas, are emancipated by the colors and by the compositions
that I imagine. It is a way for me to appropriate the world and to project my emotions
through color. The photographic image sometimes leaves the place to the memory and the imagination
alone. The gouaches that I paint are research on the motif and help me in the studio alongside
alongside digital images.
In my pictorial vocabulary, the self-portraits allow me a plastic setting in abyss of my feeling of the world and the
of my feeling of the world and the matter of my face and my body are surfaces of experimentation
surfaces of experimentation and questioning. I question my relationship to the body, to the world
and identity, a multiple identity that is constructed through each canvas. I paint the color of my skin
I paint the color of my skin as if to ask the question of my origins. The self-portrait is also a rather direct way
to testify of my present time and of my meditation of painter. The portraits are
also the place of a projection, nuanced by the representation of an intimacy with others, and a
space where the color and the lines can try to bloom in a pictorial balance.
Locked in the studio, the dialogue between the forms of the real and the re-imagination of this one through the color
through color allows me to travel to the places I paint, to make them mine as in my series on
in my series on Mount Minerva, inspired by Etel Adnan’s paintings on Mount Tamalpais. I have
sought with this series to travel to this landscape, to see it, to live it. The landscapes I paint are invested with
landscapes I paint are invested with all my travels and are a way to see how an identity is
constructed through a landscape, straddling several countries, through the blood, the lived or the
desires.
I try to paint a motif that is recognizable, but I want it to invade the surface of the canvas in
surface of the canvas in flat colors. In fact I am attached to representation and figuration. But the
photographic representation perspective does not suit me. I am attached to the drawing as much
as to the color. I would like to attribute to a figurative canvas, to each of its flat areas and to each of its
of its lines, the quality of an abstract canvas as Morandi would have done on the surface of his
Natura morta. I seek a form of painting which is also a current response to the history of this one, to its
history of this one, to its refusals then affirmations of the figuration or the abstraction, between
and affirmation of the artist’s hand. A painting which can in its form
be relevant today.
I feel close, after the reading of the Wedding of Camus, of his thought of the absurd and of
the beauty that persists in it, its colors, generous and austere. I also like the half-tones
of Matisse, his « false notes » which make the painting move like a musical improvisation.
I like the notion of « failure » of the painting being done, and this unfinished state of the painting. I like the
painting as an image and matter, and its movement. I like to shift my gaze to observe
the reflections of the light on the colors and the interactions of the matter on the chalk of which my canvas
is coated. In this respect, I admire the painter Peter Doig and his work with matter, and the portraits of
of Ada by the painter Alex Katz, his colors, and their false simplicity.
To paint is also to think. I mean to think, as Daniel Arasse explains it, with
means of painting. I would like to be able to express a non-verbal thought. I am fascinated by
the thoughts that some painters convey, similar to writers, emitting the same thought in each
the same thought in each work, like a thread. To feel these meditations of the world
gives me joy and pushes me to paint.
Finally, according to me, a painting is the present put into action. The present in its absurdity
but a source of wonder, even of astonishment. It is of the being, a dead time in the multitude
of the images and the sounds of the world. The goal of the painter is not always to finish his painting, what counts, to
painting, what counts, according to Antonio Lopez, in the film The dream of the light of Victor Erice,
is to have « spent time » near the world painting.

Victor Puš-Perchaud, 2021

*

Pendant sa première année d’études en sciences humaines, il décide de se consacrer à son rêve : devenir artiste. Il intègre l’Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Paris, et le dessin et la peinture deviennent rapidement ses activités principales, bien qu’il pratique également le manga. Il travaille la peinture dans l’atelier de François Boisrond et le manga avec Joann Sfar.

La densité du vide dans la peinture de Victor Puš-Perchaud
« Avec le vide, les pleins pouvoirs », voilà ce que griffonne Albert Camus en sortant de l’exposition Vides organisée par Yves Klein. Si Victor Puš-Perchaud ne cache pas son admiration pour la philosophie de Camus, cette affirmation paradoxale, rapprochant de manière oxymorique le vide et le plein, s’applique pourtant d’une certaine manière à sa peinture si dense et si riche. On est en effet loin de l’art minimaliste ou conceptuel présenté dans l’exposition d’Yves Klein. Lorsqu’on entre dans l’atelier de Victor Puš-Perchaud, on est frappé par la présence et la prégnance visuelle de ses toiles : on se délecte des couleurs chaudes, brunes, ocres et des éclats de couleur vive dans le fond du paysage ou entre les doigts du jeune homme pensif. La peinture, qu’un enduit de poudre de marbre a absorbée et comme diffusée sur la toile, semble cristalliser une durée temporelle indéfinie et précieuse. Les yeux des personnages, baissés, mi-clos ou dissimulés dans l’ombre leur donnent des allures de rêveurs. Le chat se tient immobile, le Mont Minerve baigné dans la lave se tient silencieux. Parfois un bras s’avance vers le
bord imaginaire du cadre, maintenu en l’air. Il s’agit bien de saisir un instant, mais un instant que l’on voudrait éternel. Par la superposition de couches plus ou moins épaisses, la référence minérale, le rappel de motifs colorés d’un bout à l’autre de la toile (un clin d’oeil jaune d’or d’un arbre qui s’effeuille ou le rappel vermillon du parasol dans les stries d’une persienne), Victor Puš-Perchaud sublime la matérialité de la peinture, il lui rend ses « pleins pouvoirs ». Car il faut pouvoir partir du vide et du silence pour donner lieu à une plénitude si sereine. Dans un coin de son atelier figurent les images qui l’inspirent. Une miniature indienne accorde deux tiers de l’espace à l’horizon, vide ; en cachant le premier plan on découvre un Rothko ! Le vide est une matrice dont les détails émergent sans toutefois s’en affranchir complètement.
C’est à partir du vide de la toile apprécié, observé que pourra se créer la mélodie silencieuse – mais pas muette – de l’oeuvre. Parfois, l’oeuvre demeure à l’état vide quelques jours ou semaines dans l’atelier du peintre, parfois la toile reste à l’état de « grisaille », trouvant sa forme parfaite dans l’inachevé. Les différentes couches de peinture – dont certaines sont à peine un voile blanc sur une manchette rouge – prennent leur temps. Faisons de même.

Miriam Smadja, mai 2021

*

Peindre, c’est le choix pour moi de donner sa chance à mon ressenti du monde de
s’épanouir et de se fixer dans la matière. Le plaisir, la douceur, voire la sérénité sont des notions
qui me tiennent à coeur. Ce plaisir est façonné par le travail et par une présence au monde.
Lorsque je suis face aux murs de mon atelier, j’utilise les souvenirs photographiques de mon
portable comme matière et comme guide pour peindre. J’utilise ces lignes du monde que j’habite
pour construire les lignes qui, sur ma toile, s’émancipent par les couleurs et par les compositions
que j’imagine. C’est une manière pour moi de m’approprier le monde et d’y projeter mes émotions
par la couleur. L’image photographique laisse parfois la place à la mémoire et à l’imagination
seules. Les gouaches que je peins sont des recherches sur le motif et m’aident dans l’atelier aux
côtés des images numériques.
Dans mon vocabulaire pictural, les auto-portraits me permettent une mise en abîme
plastique de mon ressenti du monde et la matière de mon visage et de mon corps sont des
surfaces d’expérimentation et de questionnement. J’y questionne mon rapport au corps, au monde
et à l’identité, identité multiple qui se construit à travers chaque toile. Je peins la couleur de ma
peau comme pour poser la question de mes origines. L’auto-portrait est aussi un moyen assez
direct de témoigner de mon temps présent et de ma méditation de peintre. Les portraits sont
également le lieu d’une projection, nuancée par la représentation d’une intimité avec autrui, et un
espace ou la couleur et les lignes peuvent tenter de s’épanouir dans un équilibre pictural.
Enfermé dans l’atelier, le dialogue entre les formes du réel et la ré-imagination de celui-ci à
travers la couleur me permet de voyager jusqu’aux lieux que je peins, de les faire miens comme
dans ma série sur le Mont Minerve, inspiré par les toiles d’Etel Adnan sur le Mont Tamalpaïs. J’ai
cherché avec cette série à voyager jusqu’à ce paysage, à le voir, à le vivre. Les paysages que je
peins sont investis de tous mes voyages et sont un moyen de voir comment une identité se
construit à travers un paysage, à cheval entre plusieurs pays, à travers le sang, le vécu ou les
désirs.
Je cherche à peindre un motif qui soit reconnaissable, mais je veux qu’il envahisse la surface de la
toile par aplats de couleurs. En fait je suis attaché à la représentation et à la figuration. Mais la
représentation photographique perspective ne me convient pas. Je suis attaché au dessin autant
qu’à la couleur. Je voudrais d’attribuer à une toile figurative, à chacun de ses aplats et à chacune
de ses lignes, la qualité d’une toile abstraite comme Morandi l’aurait fait sur la surface de ses
Natura morta. Je cherche une forme de peinture qui soit également une réponse actuelle à
l’histoire de celle-ci, à ses refus puis affirmations de la figuration ou de l’abstraction, entre image
générique numérique et affirmation de la main de l’artiste. Une peinture qui puisse dans sa forme
être pertinente aujourd’hui.
Je me sens proche, après la lecture des Noces de Camus, de sa pensée de l’absurde et de
la beauté qui y persiste, de ses couleurs, généreuses et austères. J’aime également les demi-tons
de Matisse, ses « fausses notes » qui font se mouvoir la peinture telle une improvisation musicale.
J’aime la notion d’« échec » de la peinture se faisant, et cet état inachevé de la peinture. J’aime la
peinture en tant qu’image et matière, et son mouvement. J’aime décaler mon regard pour observer
les reflets de la lumière sur les couleurs et les interactions de la matière sur la craie dont ma toile
est enduite. J’admire à ce titre le peintre Peter Doig et son travail de la matière, et les portraits
d’Ada du peintre Alex Katz, ses couleurs, et leur fausse simplicité.
Peindre, c’est aussi penser. Je veux dire penser, comme l’explique Daniel Arasse, avec des
moyens de peinture. Je voudrais arriver à exprimer une pensée non verbale. Je suis fasciné par
les pensées que véhiculent certains peintres, semblables à des écrivains, émettant la même
pensée à chaque oeuvre, comme un fil conducteur. Ressentir ces méditations du monde me
donne de la joie et me pousse à peindre.
Enfin selon moi, un tableau c’est du présent mis en oeuvre. Du présent dans son absurdité
mais source d’émerveillement, voire d’étonnement. C’est de l’être, un temps mort dans la multitude
des images et des sons du monde. Le but du peintre n’est d’ailleurs pas toujours de finir son
tableau, ce qui compte, d’après Antonio Lopez, dans le film Le songe de la lumière de Victor Erice,
c’est d’avoir « passé du temps » près du monde à peindre.

Victor Puš-Perchaud, 2021
Victor Puš-Perchaud, Monte Minerbio IV, 2020, oil on canvas, 24 x 19 cm / 9.36 x 7.41 inches

Victor Puš-Perchaud, La montagne jaune, 2020, oil on canvas, 100 x 81 cm / 39 x 31.59 inches

Victor Puš-Perchaud, La nature noire du soleil, 2021, oil on Canvas, 61 x 50 cm / 23.79 x 19.5 inches

Victor Puš-Perchaud, La Mélancolie, 2021, oil on canvas, 55 x 38 cm / 21.45 x 14.82 inches

Victor Puš-Perchaud, Untitled, oil on canvas

Victor Puš-Perchaud, La statue, 2021, oil on canvas, 56 x 33 cm / 21.84 x 12.87 inches

Selected group exhibitions

10 year anniversary, Galerie l’Inlassable, Paris, May 29 to July 3, 2021

Selected solo exhibitions

Ceci est la couleur de mon coeur, Galerie l’Inlassable, Paris, July 24 to August 25, 2021